Nous savons tous reconnaître un ” grand ” film quand nous en voyons un : les films qui figurent perpétuellement dans le canon des classiques du cinéma américain, les films qui ont été préservés (ou presque détruits) par le controversé Ted Turnerles films dont la grandeur incontestable est constamment défendue par l’American Film Institute et l’Academy of Motion Picture Arts and Sciences, qui refusent de nous faire oublier que… Le Parrain est en effet un film sacrément bon ; les films, et les scènes, qui ont fait l’objet d’innombrables parodies, parodies, satires et hommages au fil des ans. Les films que les critiques, les universitaires, les cinéastes et les cinéphiles estimés considèrent tous comme excellents. Welles, Spielberg, Scorsese, Hitchcock, Kubrick, Fellini, Bunuel, Bergman….
Franchement, ça devient lassant.
Les “grands” films, comme nous les appelons, sont grands pour l’une des deux raisons suivantes : parce qu’ils sont vraiment innovants ou spectaculairement bien faits – une véritable œuvre d’art, pourrait-on dire – ou parce que le film a été reconnu comme grand depuis si longtemps que les gens cessent de le remettre en question.
Les grands films sont influencés par d’autres films, et on peut supposer que le film qui influence le grand film doit lui-même avoir de grandes qualités, n’est-ce pas ?
Une scène d’un film qui est facilement reconnaissable ou à laquelle on fait souvent référence suggère que cette scène a de grands mérites (dans le cas de Plan 9 from Outer Spacecette grandeur est de l’ordre du camp), d’où son acceptation et sa reconnaissance par tant de gens. N’est-ce pas ?
Ridley Scott aurait-il pu faire Alien sans que le classique Planète des Vampires ne le précède ?
Alien (Scott, 1979)
Qu’en est-il des films qui ont inspiré les grands films ? Ces films discrets, souvent ésotériques, dont la réputation n’est peut-être pas aussi glamour que, par exemple, It’s a Wonderful Life mais dont les aspirations sont néanmoins tenaces ; dont le travail de caméra n’est pas aussi ostentatoire qu’une David Fincher et dont la propension au commentaire politique et social dépasse celle de ses contemporains (on peut qualifier ces films de “littéraires”).
Leur importance sur le cinéma classique et actuel est sous-estimée mais substantielle – qui sait ce qu’il en sera de l’avenir de ce cinéma ? Aronofsky acclamé Le cygne noir aurait été sans l’influence atmosphérique de Polanski densément prémonitoire Répulsion. Et sans les réalisations technologiques impliquées dans le classique campagnard La Planète des Vampires, Ridley Scott n’a peut-être pas créé les mêmes scènes emblématiques dans son film classique à combustion lente. Alien.
Ces œuvres d’une importance discrète ont laissé pendant des décennies des empreintes sur le celluloïd de cinéastes et de films que nous connaissons tous, mais les œuvres inaugurales qui ont donné naissance à ces empreintes passent trop souvent inaperçues. (Vous avez déjà entendu parler de Le voleur et le cordonnier? Non ? Mais vous avez entendu parler de Aladdin et Pixar ?).
Films qui représentent des influences significatives sur d’autres grands films et cinéastes
Voici quelques-uns des meilleurs de ces films à l’importance discrète. Je me suis concentré sur le milieu des années cinquante jusqu’à un film du début des années soixante-dix, simplement parce que ce sont ceux qui ont été le moins reconnus (certains ont été très admirés ces dernières années, mais restent inconnus de la grande majorité des cinéphiles).
Ces films représentent des influences significatives sur d’autres grands films et cinéastes, que ce soit dans le ton, l’atmosphère, l’histoire ou la mise en scène. Une œuvre d’art est souvent un amalgame de grandes influences ; ce sont ces grandes influences…
Night Of The Hunter
Dir. Charles Laughton (1955)
Peut-être le film le plus connu de cette liste, La nuit du chasseurle seul film réalisé par Charles Laughtonqui a effectivement tué la carrière de son réalisateur. Des motifs de l’expressionnisme allemand et de l’imagerie surréaliste confèrent au film une aura éthérée qui oscille entre le rêve éveillé et le cauchemar sordide ; des ombres hyperboliques jaillissent dans des paysages désolés, laissant entrevoir le danger avec une précision délicate qui conserve une certaine ambiguïté – nous ne croyons jamais vraiment que quelque chose de terrible va arriver à nos protagonistes, même si la logique et l’aspect pratique suggèrent le contraire.
Même après le premier meurtre choquant du film, nous, spectateurs, n’arrivons pas à croire ce qui se passe sous nos yeux. Les personnages du film de Laughton, une mère veuve (Shelley Winters) et deux enfants jeunes mais pleins de ressources (Billy Chapin et Sally Jane Brucetous deux inoubliables dans leurs rôles lourds) sont pris sous le charme contagieux d’un prédicateur itinérant, le révérend Harry Powell (Robert Mitchum dans sa plus grande et plus subtile performance insidieuse).
Nous comprenons rapidement que le révérend est un tueur qui cherche à s’emparer d’une grosse somme d’argent laissée secrètement à la veuve, mais il ne semble pas avoir les tendances et les qualités les plus évidentes que l’on retrouve chez la plupart des méchants du cinéma ; il est calme, sûr de lui et pourtant réfléchi, à la fois calculateur et affable.
Les mots “amour” et “haine” sont infâmement griffonnés sur ses articulations. Les dialogues de Mitchum sont intelligents et adaptés, mais c’est sa capacité à prononcer des mots particuliers (“Hellooooo, chil-dren”) cachés dans son accent du sud qui fait du révérend Powell un personnage aussi cauchemardesque.
Bien sûr, ce n’est pas un personnage réaliste au sens propre, mais dans le contexte du monde de rêve pittoresque de Laughton, l’interprétation du révérend par Mitchum est parfaite. Les incohérences de son comportement sont parfaitement cohérentes avec son changement constant de visage. (Kim Novak a utilisé des tendances similaires dans son interprétation de la Judy/Madeline endormie et on lui a d’abord reproché d’être “en bois”, mais comment une personne qui vit derrière une façade est-elle censée se comporter autrement).
Il y a une poignée de plans d’une beauté austère de La nuit du chasseurdont la description de l’innocence souillée est diaboliquement implacable et qui ont leur place au MoMA. Le contraste dans de Stanley Cortez La photographie implique une corruption inévitable mais laisse des traces d’espoir.
Regardez la scène du corps dans le lac : les cheveux coulent dans le courant comme des vrilles, des algues s’accrochent au cadavre. C’est un plan terriblement morbide et la caméra de Laughton s’attarde, mais ce n’est jamais une scène horrible ou dégoûtante. Le corps semble presque paisible, assis dans l’eau, comme s’il attendait quelque chose ou quelqu’un. Rarement la mort a semblé aussi belle.
Le plan qui se transcrit le mieux en tant que plan fixe est peut-être celui où le révérend poursuit les enfants dans un escalier situé dans un sous-sol austère. Il est filmé de profil, de sorte que l’on voit ses mains tendues frôler les nuques des enfants. C’est une explosion soudaine de suspense dans un film qui, jusqu’à ce moment, est très délibérément rythmé. La seconde moitié du film commence ici, lorsque les enfants s’enfuient sur la rivière avec Powell à leur poursuite. Le reste du film vous met les nerfs à vif.
Le chef-d’oeuvre de Laughton La nuit du chasseur montre une sensibilité hitchcockienne dans son utilisation du suspense et des lueurs d’expressionnisme allemand, mais le produit final, un mélange de contributions de certains des meilleurs artistes de l’industrie cinématographique, est une expérience tout à fait unique.
L’inquiétante méditation de Laughton sur l’innocence et le mal se trouve aux côtés de Citizen Kane comme la référence en matière de films criminellement oubliés au moment de leur sortie.
David Lynch a crédité La nuit du chasseur comme une influence stylistique sur son chef-d’œuvre néo-noir Blue Velvet ainsi que son émission Cult TV, Twin Peaksune série que beaucoup (moi y compris) considèrent comme l’une des meilleures, sinon la meilleure, série écrite du dernier quart de siècle.
Un visage dans la foule
Dir. Elia Kazan (1957)
Elia Kazan a connu l’une des carrières les plus brillantes de tous les cinéastes hollywoodiens, une série de succès critiques et commerciaux pour la plupart immaculés qui allaient souvent à l’encontre de la politique hollywoodienne contemporaine.
Peut-être plus connu pour ses films non réalistes Sur les quaisun film dont la réussite est impossible à surestimer : la méthode d’interprétation a modifié à jamais l’impact des artistes (Marlon Brando a remporté l’Oscar du meilleur acteur et l’incomparable prix de l’amitié. Karl Malden a été nominé – et aurait dû gagner – pour le rôle de soutien, tandis que le toujours fascinant Lee J. Cobb était également nommé dans la catégorie Second rôle) ; les décors sont grinçants et humides, et non chatoyants et romantiques, et, avec la conception sonore mimétique, ils enveloppent le public d’un sentiment d’inclusion ; l’histoire, une défense allégorique de la coopération de Kazan avec le Comité de la Chambre des représentants sur les activités anti-américaines et le maccarthysme, montre comment on peut conserver sa fierté et son honneur même lorsqu’on “dénonce” ses amis.
Sur les quais restera probablement comme la contribution la plus importante et la plus influente de Kazan au cinéma américain, bien que l’on puisse affirmer que L’est d’Eden ou Un Tramway nommé Désir a également eu un impact durable.
L’une des œuvres les moins connues de Kazan, le film à caractère social Un visage dans la foulea reçu des réactions mitigées lors de sa sortie (comme c’est le cas pour la plupart des grands films) mais a lancé la carrière de sa star, Andy Griffith.
Griffith, dont “Andy Griffith Show” a établi la norme pour les comédies de situation et les programmes télévisés pour cols bleus et dont le Matlock Avant l’explosion des séries judiciaires des années 1990, aucun acteur n’a eu un rôle aussi luxuriant que celui de Lonesome Larry Rhodes, un chanteur folklorique alcoolique et comédien amateur qui se retrouve sous les feux de la rampe après qu’une de ses performances en prison a été enregistrée clandestinement par une émission de radio appelée “Matlock”. Un visage dans la foule. Lonesome développe rapidement une grande popularité, en particulier auprès des femmes au foyer et des autres habitants de la ville qui peuvent s’identifier aux paraboles et aux chansons rebelles de son personnage radiophonique.
Mais la vie sous les feux de la rampe n’est pas tout ce que l’on peut espérer et Larry, connu par tous sous le nom de Lonesome, cherche la sérénité au fond de sa bouteille d’alcool, se noyant désespérément dans sa déconnexion.
Kazan met en garde contre la dépendance aux personnages des médias et de la télévision et son message n’a jamais cessé d’être pertinent. L’article du Village Voice J. Hobberman dit, “Un visage dans la foule est essentiellement un film d’horreur politique. Il n’est pas assez drôle pour fonctionner comme satire, un peu obstinément littéral pour l’allégorie, mais trop hyperbolique pour convaincre comme drame. Ce n’est pas non plus un succès.”
Les spécialistes d’aujourd’hui pourraient essayer d’insérer un personnage de type Regan dans le rôle de Rhodes, dont l’ascension politique est initialement due au fait que ses partisans, peu nombreux mais dévoués, gobent tout ce qu’il dit, même si ses idéaux changent considérablement, mais la vérité honnête est que n’importe quel leader politique pourrait entrer dans le moule de Lonesome Rhodes, un rêveur idéaliste intransigeant dans ses pensées et ses actions qui succombe aux tentations de la gloire et de la célébrité et se perd ensuite.
À la manière typique de Kazan, les éléments allégoriques sont suffisamment ambigus pour être toujours pertinents et ne sont pas liés à une époque et à un lieu particuliers. Comme dans On the Waterfrontles thèmes sont universels et les acteurs font un travail fantastique pour susciter l’empathie. Peu de réalisateurs occidentaux ont su raconter une histoire convaincante et pertinente comme l’a fait Kazan, et Un visage dans la foule est aussi intemporel que n’importe lequel de ses films.
Peeping Tom
Dir. Michael Powell (1960)
Sorti la même année que Alfred Hitchcock Psychose, Peeping Tom tente d’humaniser un sociopathe et, sans le rendre vraiment sympathique, tente au moins – et réussit le plus souvent – à pénétrer dans l’esprit et l’âme d’un homme dérangé et solitaire, dont la dégradation mentale ne peut être expliquée simplement par des “problèmes de père” ou la “pression des pairs”.
Ne profitant que d’une infime partie de Psycho’s Le dernier grand film de Powell a été déclaré dangereux par des critiques prudes et mis de côté, retournant dans l’obscurité où les spectateurs sont plus à l’aise. Powell nous a mis derrière la caméra, d’une certaine manière, et a permis au spectateur de se tenir dans la lumière au chevet du tueur. En nous montrant les morts à la première personne, il nous donne un aperçu de ce que c’est que de voler une vie humaine.
Mark Lewis (Karl Boehm), un caméraman et directeur de la photographie expérimenté qui travaille pour la télévision et le cinéma et prend des photos de mannequins à ses heures perdues, tue des femmes tout en les enregistrant sur sa caméra pour un documentaire qu’il réalise et dont le thème principal est la réaction de peur de l’être humain.
Nous savons qu’il doit être bon dans son travail car nous pouvons voir la supériorité technique des images qu’il regarde, aussi viles soient-elles. Alors que Anthony Perkins Norman Bates possédait un comportement sympathique, quoique timide, pour ne révéler son sinistre secret qu’au moment de l’apogée du film, Mark semble bizarre dès le début, parlant en rond avec son accent difficile à placer, faisant nerveusement tic-tac, lorgnant de manière effrayante sur les autres personnages comme un flâneur égaré.
Bien que la fin du principal film d’horreur d’Hitchcock soit devenue banale dans le monde de la connaissance cinématographique, elle reste toujours aussi fascinante et pleine de suspense, toutes les techniques et tous les éléments du maître ayant été conservés après cinq décennies.
Le film de Powell, quant à lui, a vieilli sur le plan technique mais reste frais en tant que dissection d’une solitude incompréhensible ; c’est un film visuel et le travail de caméra et l’imagerie transmettent efficacement une certaine obsession.
La scène est tournée dans Rathbone Street à Fitzrovia, et le pub que l’on voit dans le plan, The Newman Arms, est toujours là.
Powell et le directeur de la photographie Otto Heller remplissent l’écran d’images étonnantes et de couleurs luxuriantes. La mise en scène de Powell est presque sans faille. Dans une scène située vers le début du film, nous voyons la caméra reculer lentement tandis que Mark regarde les images d’une victime qui hurle pour sa vie. Bientôt, la tête de la victime à l’écran est de la même taille que sa tête au premier plan, grâce à une manipulation de l’objectif, et nous voyons Mark confondre une fois de plus la vie réelle avec ce qu’il voit à l’écran.
Les scènes à la première personne du film ont eu une influence évidente sur Bob Clark Black Christmas et Le film de John Carpenter Halloween. L’idée des snuff movies a inspiré Joel Schumacher 8MM et sans doute le Auberge bien que ce dernier n’ait rien à voir avec l’intégrité artistique du film de Powell. Il a également été une source d’inspiration majeure pour Martin Scorsesequi a contribué à promouvoir le film dans les années 1970 et à le faire apprécier davantage.
Au service secret de Sa Majesté
Dir. Peter R. Hunt (1969)
Le meilleur film de Bond non-Connery, Au service secret de Sa Majesté était la sortie de Bond la plus méchante et la plus épanouissante émotionnellement avant Daniel Craig a obtenu son permis de tuer dans le film de 2006 Casino Royale.
Les cinq premiers films de Bond – Dr. No, De Russie avec l’amour, Goldfinger, Thunderball.et Vous ne vivez que deux fois – qui ont tous regardé Sean Connerya développé un certain sens de l’humour léger et cucul, qui évoluera vers un attrait pour le cinéma dans le dernier Bond officiel de Connery. Les diamants sont éternels et la suite Roger Moore qui ont fait en sorte que la quantité absurde d’action violente et de séduction semble comique, et non masochiste et misogyne.
Les services secrets de Sa Majesté, le seul film de Bond à présenter George Lazenby dans le rôle de 007, a écarté une grande partie de la niaiserie au profit d’un humour noir et d’un suspense captivant. Le film est délibérément rythmé et Lazenby dépeint Bond comme beaucoup plus vulnérable que Connery. Beaucoup ont réaffirmé que l’histoire et les images du film sont parmi les meilleures de toute la série Bond, mais le film aurait peut-être été meilleur si Connery avait joué Bond au lieu de Lazenby.
Bien que Connery soit le premier et le plus aimé des Bond, il n’aurait pas été le bon pour ce Bond ; 007 échange des coups avec divers hommes forts mais un sentiment de danger imminent persiste tout au long de la plupart des séquences d’action, comme si Bond pouvait réellement perdre le combat, ou si quelque chose de légitimement mauvais pouvait lui arriver.
Le Bond de Connery était presque invincible et toujours infaillible, alors que Lazenby semble effrayé dans certaines séquences. Par exemple, regardez l’évasion à flanc de montagne : Bond est hâtif, presque négligé, et perd un ski pendant la poursuite, mais il parvient à prendre le dessus sur ses poursuivants en faisant preuve de rapidité d’esprit et d’improvisation. Lorsque Bond se cache des hommes de main, l’expression de son visage suggère qu’il se croit en danger, ou incapable de s’échapper. Nous savons qu’il survivra et qu’il jouera dans de nombreux autres films, mais dans le contexte de ce film, sans penser aux autres Bond qui suivront, le 007 de Lazenby est le plus crédible et le plus tragique.
Bond cherche à arrêter Blofeld (Telly Savalas) de détruire le monde, au cas où vous voudriez le savoir. Mais la destruction du monde n’est jamais une menace apparemment réelle, évidemment. La principale source d’émotion du film est la vulnérabilité de Bond. Il est beaucoup plus confiant ici, mais sa naïveté se transforme bientôt en haine.
Le film est lent pendant la première heure environ, ce qui permet à Lazenby d’étoffer le côté séduisant de Bond (il est à la limite de la déviance sexuelle pendant une longue série de scènes avec des femmes désemparées mais libres dans la cachette de Blofeld). Se faisant passer pour un généalogiste écossais, Bond s’infiltre dans le faux centre de recherche clinique de Blofeld. La majeure partie du film se déroule ici, construisant les personnages et créant une résonance émotionnelle, pour nous faire voler en éclats par la suite, à l’instar des scènes de poker prolongées de Casino Royale.
La violence n’est pas aussi caricaturale que dans les autres films de Bond, à l’exception de quelques plans bien placés lors de la poursuite à ski. Un plan mémorable d’un intrus potentiel, attaché dans son équipement d’escalade, ne fait que renforcer la froideur de Blofeld, tandis qu’une autre scène, dans laquelle Bond s’accroche à un téléphérique, montre la persistance de Bond.
Les films de Bond ne sont pas souvent critiqués pour leur violence, car elle est généralement montrée de façon marginale, sans trop d’emphase sur le gore, mais la scène dans laquelle Bond sauve sa future femme du repaire de Blofeld avec l’aide de son père montre le côté plus sombre de Bond, alors qu’il abat d’innombrables sbires à coups de fusil, de grenade, de couteau, de poing et d’ongle, ne montrant rien qui puisse être pris pour de la pitié. Il n’est plus un agent du MI6 chargé de promouvoir la justice mais plutôt un assassin vengeur ; le Bond de Craig a probablement pris de nombreuses notes.
Bien sûr, l’aspect le plus controversé de Les services secrets de Sa Majesté est le mariage de Bond avec Tracy di Vicenzo (Diana Rigg), fille du chef du syndicat du crime Marc-Ange Draco. C’est un mariage malheureux et nous le savons, mais la fin abrupte et déchirante, avec Bond serrant sa femme dans ses bras en murmurant “Nous avons tout le temps du monde”, est le moment le plus épuisant sur le plan émotionnel et le plus difficile à gagner de toute la franchise, jusqu’à ce que Daniel Craig serre dans ses bras son amant malheureux. Casino Royale.
Le film traite cette scène comme la première rencontre de Bond avec son ennemi juré Blofeld, le brillant misanthrope qui dirige le SPECTRE, ignorant le fait qu’il s’agit de la première rencontre de Bond avec son ennemi juré. Donald Pleasance portrait de Vous ne vivez que deux fois. Joué ici par Savalas, Blofeld est plus sinistre, plus froid et plus manipulateur, et choisit de frapper le cœur de Bond lorsque ses plans de domination mondiale sont déjoués.
Comme vous l’avez sans doute deviné, le film a d’abord reçu des critiques mitigées, mais il est devenu le film préféré des fans. De nombreux fans et critiques affirment que ce film est peut-être le meilleur et le plus profond des films de James Bond. De Russie avec amour ou Goldfingermais un autre.
C’est un monstre complètement différent des sept films officiels de Connery, qui ont vanté l’invulnérabilité de Bond et l’élimination créative de méchants emblématiques, et c’est certainement plus mature que les sorties en camp de Roger Moore (Vous vous souvenez de celui où il est dans l’espace ? Ou le type avec les mâchoires métalliques ? Ou le bras métallique ? Ou lorsque Bond traverse une rivière en courant sur des têtes de crocodiles ?).
C’est difficile de dire si Au service secret de Sa Majesté a ouvert la voie à Martin Campbell Casino Royale puisque les films ont presque quarante ans de différence, mais il y a incontestablement de nombreux éléments que Campbell a empruntés pour donner à son film Bond un ton sérieux et graveleux. Au service secret de Sa Majesté entre dans un territoire émotionnel qu’aucun autre film de James Bond n’avait osé aborder auparavant.
Easy Rider
Réalisateur. Dennis Hopper (1969)
Dennis HopperOn se souvient surtout de son interprétation audacieuse du violeur, toxicomane et sociopathe Frank Booth dans le film de David Lynch Blue Velveta d’abord fait ses armes en tant que réalisateur de films indépendants. Son film le plus influent, le film “buddy-road”. Easy Ridera ouvert la voie aux films indépendants et de la contre-culture pendant dix ans après sa sortie.
Réalisé par et avec Hopper, un consommateur de drogues expérimental à l’époque, Easy Rider raconte l’histoire simple d’amis surnommés Captain American et Billy qui recherchent la clarté spirituelle et le sens de la liberté, mais trouvent au contraire la tragédie. Peter Fonda et Dennis Hopper jouent les amis, un couple de motards qui traverse l’Amérique et a du mal à se faire des amis. En cours de route, ils rencontrent un avocat alcoolique (une jeune femme de 20 ans). Jack Nicholson) qui se joint à eux pour recevoir un coup de machette fatal dans le cou.
Le voyage du duo est infructueux car ils sont accueillis par un refus d’acceptation partout où ils vont. À un moment donné du film, le duo perpétuellement défoncé se demande ce qui est arrivé à l’Amérique ; à leurs propres yeux, ils sont les seuls à jouir de la liberté et à vivre leur vie, mais tout le monde les accable d’hostilité et fuit le style de vie des motards.
Leur voyage est le voyage que nous faisons tous – celui de la vie et de la mort. Il y a des thèmes dans Easy Rider qui sont universels et résonnent chez tous les spectateurs : l’acceptation, l’individualité, faire ce en quoi on croit et combattre l’adversité de toutes sortes, trouver la clarté et finalement se trouver soi-même.
Les aspects techniques du film ne sont pas extraordinaires, et l’écriture et le jeu des acteurs sont parfois inégaux (à l’exception de Nicholson, fantastique comme toujours), mais le cœur et l’âme du film compensent largement les défauts esthétiques. L’éclairage, qui est entièrement naturel (Hopper a déclaré que “Dieu est un grand électricien”), contribue à créer une atmosphère organique.
Mais les deux aspects de Easy Rider qui certifient son importance sont le montage et le financement. Il était notoirement difficile de travailler avec Hopper, en partie à cause de ses expériences constantes avec les drogues (il a conseillé Lynch sur l’utilisation de drogues par Frank Booth pour donner un air de réalisme au film pseudo-surréaliste Easy Rider). Blue Velvet) ainsi que ses accès de perfectionnisme et son refus de collaborer avec les monteurs. Hopper, qui s’est heurté à des problèmes constants pendant la production, tant sur le plan technique que créatif, s’est apparemment imaginé que Easy Rider comme un film très différent de ce à quoi ressemblait le produit fini.
Le film a connu un long chemin difficile entre la fin du tournage et la sortie finale, car Hopper a été inspiré par le monumental film de Kubrick intitulé 2001 : L’Odyssée de l’espace (quel cinéaste ne l’a pas été ? Vraiment ?) et a imaginé Easy Rider comme une épopée de trois heures utilisant des flash-forward. Bien qu’une utilisation de flash-forward apparaisse dans le film sous la forme d’un présage de la fin tragique du film, le montage a été effectué en secret par le réalisateur. Henry Jaglom loin de Hopper. Le produit fini est donc en fait en grande partie le résultat du montage de Jaglom.
Des réalisateurs indépendants tels que John Cassevetes, Joel Schlesinger et Francis Ford Coppola. (préParrain), George Lucas (préStar Wars), et Sidney Lumetentre autres, ont pu obtenir le feu vert à leurs projets indépendants grâce, en partie, au film de Hopper. Hopper a contribué à raviver l’intérêt pour le néo-réalisme américain, un genre qui a toujours été associé au cinéma français et italien.
Dans son essai sur Easy Rider comme un grand film, Roger Ebert commente l’une des scènes les plus importantes du film : “De nombreuses réflexions profondes ont été écrites en 1969 sur le dialogue de Fonda dans une scène la nuit précédant sa mort. Hopper est aux anges car ils sont arrivés à destination avec l’argent de la drogue intact. “On a tout fait foirer”, lui dit Fonda. “On a tout fait foirer, mec.” C’est lourd. Mais le film ne joue-t-il pas aujourd’hui différemment de ce que ses créateurs avaient prévu ? La cocaïne en 1969 avait des connotations différentes de celles d’aujourd’hui, et il est possible de voir que Captain America et Billy sont morts non seulement pour nos péchés, mais aussi pour les leurs.”
En effet. Le couple trouve finalement la liberté à la fin.
Charade
Réalisateur. Stanley Donen (1963)
La femme autrefois sans âge Cary Grant n’a jamais eu un rôle aussi comiquement riche que celui qu’il a eu dans CharadeCharade est une énigme qui a tout le suspense et la paranoïa d’un film d’Hitchcock, mais avec un sens aigu de l’humour que le cinéaste britannique n’a jamais vraiment maîtrisé.
Grant joue le rôle d’un homme âgé qui porte plusieurs noms, dont Brian, Peter, Alexander et Adam, et qui courtise la séduisante Reggie Lambert (Audrey Hepburn). Le mari de Reggie a été assassiné (jeté d’un train) et maintenant des hommes méchants en ont après Reggie dans l’espoir qu’elle ait une fortune laissée par son défunt mari. Les aspects d’espionnage ressemblent à ceux d’un film de Bond de l’époque de Connery, mais les questions et les coïncidences sont beaucoup moins prévisibles et les solutions sont beaucoup plus satisfaisantes ; ce n’est pas une critique de 007, mais simplement une validation de l’approche de l’histoire. Charade virtuosité.
Les mauvais hommes (James Coburn, George Kennedy, Ned Glassl’un d’eux a un bras mécanique, et ce film a été tourné une dizaine d’années plus tôt. Vivre et laisser mourir. Mais le véritable attrait de ce film réside dans ses dialogues qui grésillent et dans l’alchimie pas tout à fait lascive entre les deux protagonistes.
L’âge de Grant et de Hepburn fait l’objet d’une plaisanterie dans le film et Reggie est en fait présenté comme le poursuivant, aux antipodes de la masculinité (ou de la misogynie) séduisante des premiers films de Bond. Grant a toujours été doux, même lorsque les rides sont devenues plus prononcées, mais Hepburn ne joue en aucun cas les acolytes. Elle échange des répliques acérées avec Grant tout au long du film, refusant d’être manipulée.
Alors que Charade n’a pas directement influencé les films de Bond ou les autres films d’espionnage qui ont suivi. Dr. Noelle préfigure l’explosion du genre comédie d’action des années 1960 et 1970.
L’un des derniers films de la carrière de Grant, c’est un film difficile à placer sur une ligne du temps du cinéma ; à la fois un thriller hitchcockien, un film d’espionnage, un film d’auteur et un film de fiction. Casablanca-comédie romantique, il se situe en quelque sorte entre le début de la fin des années fastes d’Hitchcock et le premier film de Bond.
Le film a connu un rajeunissement dans la publicité comme le Johnny Depp-Angelina Jolie Le flop de 2010 The Tourist a suscité de nombreuses comparaisons avec le film de Grant-Hepburn. Mais le manque d’alchimie entre Depp et Jolie a prouvé qu’une grande relation à l’écran n’est pas facile à créer.
(Charade a été refait en tant que La vérité sur Charlie mais Peter Stone, l’écrivain de Charadea tellement détesté le film qu’il a refusé d’être crédité et s’est affiché sous l’un des pseudonymes de Grant).
La Planète des Vampires
Dir. Mario Bava (1965)
Selon les standards de la plupart des cinéphiles, Le film de Mario Bava camp-classique La Planète des Vampires n’est pas un bon film. Les acteurs sont en bois, les effets spéciaux sont aléatoires et l’intrigue est tirée tout droit d’un film de fiction. Ed Wood Une équipe d’explorateurs de l’espace reçoit un appel SOS d’une planète voisine et se retrouve piégée sur une planète habitée par des zombies. Pourtant, le film est irrésistiblement amusant, à l’instar d’Ed Wood. Plan 9 from Outer Spaceet son impact sur la science-fiction est considérable.
Beaucoup ont affirmé que Le film de Ridley Scott film de série B à gros budget devenu chef-d’oeuvre Alien a été directement influencé par La planète des vampires Dans le film de Scott, l’équipage d’un cargo spatial reçoit un appel de détresse d’une planète inhabitée située à proximité et enquête. Ils affrontent une forme de vie extraterrestre et, comme vous le savez probablement, sont victimes l’un après l’autre de l’un des méchants les plus emblématiques et les plus effrayants de l’histoire du cinéma.
Mais alors que le film de Scott, qui plaçait une héroïne au cœur de ce qui semblait être une histoire masculine, s’est débarrassé de ses origines de série B et a adopté une esthétique plus artistique, le film de Bava se délecte de son attrait campagnard. Le film de Scott utilise la symétrie, similaire à celle du film de Bava. Kubrick camérawork in 2001et un rythme délibéré avant de libérer ses chocs horribles. Le film de Bava rebondit, s’amuse et ne se prend pas trop au sérieux.
Produit avec un budget très serré, La Planète des Vampires n’est pas aussi mauvais qu’on pourrait le penser, mais on pourrait être tenté de comparer l’aspect désuet du film à l’attrait sans âge de 2001, Star Wars, Orange mécaniqueou le classique muet Metropolis. Par de telles comparaisons, le film de Bava ne tient pas la route. Mais peut-être qu’il n’a pas à rivaliser avec des films aussi loués, en affinant l’atmosphère de la couverture d’un magazine de pulp qui prend vie, La Planète des Vampires est un kaléidoscope de couleurs vives et de décors excentriques, de bips électroniques et de partitions de films d’horreur.
Bien que dépourvu d’intérêt dramatique, La Planète des vampires est un moyen amusant de tuer une heure et demie et son attrait pour les cinéastes, tels que Mario Bava, est évident. Brian De Palma et David Twohyconfirme son statut de film important et discret.
Répulsion
Réalisateur. Roman Polanski (1965)
Le film de Darren Aronofsky thriller psychologique érotique Le cygne noirpar exemple, les chaînes Roman Polanksi chef-d’œuvre classique de l’horreur gothique Répulsion dans sa représentation d’une jeune fille luttant contre des démons freudiens.
Son incapacité à faire face à l’énorme pression et à l’effort mental que représente son nouveau succès déforme sa perception de la réalité et commence à déchirer sa vie.
Comme dans le film de Polanksi de 1965, dont la réputation et la stature n’ont fait que croître depuis sa sortie, les horreurs qui frappent notre jeune protagoniste proviennent de son inexpérience sexuelle – une innocence d’enfant dont elle ne s’est pas encore débarrassée – et des avances non désirées d’hommes aux mœurs légères qui se manifestent par de violents actes de luxure. C’est un film à la fois troublant et magnifique qui médite sur le perfectionnisme et la sexualité humaine.
Nina, une jeune ballerine passionnée qui vient d’obtenir la première place dans la production de sa compagnie de théâtre. Le Lac des Cygnes, voit sa quête de perfection technique entravée uniquement par son incapacité à “se perdre” dans sa danse – une répression de la maturité qui ne permet pas à Nina de trouver dans sa danse le désir qui lui permettra de devenir une vraie grande danseuse et d’habiter ses personnages.
Nina doit non seulement jouer le pur cygne blanc, mais aussi le méchant cygne noir qui vole le grand amour du cygne blanc et le pousse au suicide. La bonté avec laquelle Nina mène sa vie – une vie qui lui est dictée par sa mère surprotectrice (Barbara Hershey) – l’empêche d’incarner pleinement le méchant cygne noir.
La mère de Nina, à la fois attentionnée et cruellement autoritaire, conseille à Nina de ne pas se surmener pour le rôle, ce à quoi Nina rappelle à sa mère qu’elle n’a jamais eu de carrière décente.
Hershey est tout aussi déchirante et dégoûtante dans le rôle de la mère has been, et la relation mère-fille apporte un véritable élément humain à l’histoire, qui sert de support émotionnel permettant à Aronofsky d’emmener son film dans des directions surréalistes et horribles. Sans ce sentiment de réalité auquel revenir sans cesse, une sorte de note de base réaliste autour de laquelle le film pivote, les éléments plus fantastiques du film ne seraient pas aussi terrifiants ou résonnants sur le plan émotionnel.
Comme c’est le cas dans RépulsionLes horreurs de Nina se personnifient sous la forme de fantasmes sexuels et de mutilations grotesques, ces dernières étant malheureusement trop souvent montrées dans les bandes-annonces du film, ce qui gâche certains des moments les plus choquants du film.
Néanmoins, il y a plus de moments vraiment effrayants dans ce film que dans l’ensemble de la série des Vendredi 13, mais il ne s’appuie jamais sur le gore et ne vous donne pas envie de vomir.
Il est plus Alien que Sawqui commence lentement et fait monter le suspense avant de vous arracher la couverture et d’éclater en une panne mentale cataclysmique.
Contrairement au film de Polanksi, qui est un sombre exercice d’horreur d’art et d’essai qui ne nous donne jamais vraiment l’occasion de connaître le personnage féminin mentalement déformé et ne peut donc pas s’attendre à ce que nous compatissions avec lui, Black Swan nous offre un personnage empathique auquel nous pouvons nous identifier, dont les désirs et les craintes reflètent ceux auxquels tout artiste est confronté.
Le Voleur et le Cordonnier
Réalisateur. Richard Williams (1993/1995)
Plus de trente ans de travail, Le livre de Richard Williams un opus en devenir, une pérégrination fantastique, prélude au film de Disney Aladdin dans sa description d’un jeune voleur arabe qui suit une prophétie et tente de sauver sa ville d’une destruction certaine, et mêle une conception sonore fantaisiste à une animation complexe pour créer l’une des expériences visuelles les plus complexes jamais tentées par un studio d’animation.
Les deux personnages titulaires, un cordonnier au grand cœur nommé Tack et un voleur ingénieux mais malchanceux, tous deux muets, tombent au milieu d’un plan infâme visant à envoyer une machine de guerre, dirigée par une horde de monstres borgnes, dans la Cité d’Or dans laquelle notre duo réside. Ils déclenchent une réaction en chaîne digne de Goldberg, qui les amène à sauver la ville et à devenir des héros.
L’intrigue est aussi linéaire que celle de n’importe quel autre film de Disney, mais le principal attrait de ce film est son animation époustouflante – et je veux dire que vous serez littéralement stupéfaits, comme s’ils étaient frappés par un courant électronique soudain ; c’est tellement bon. Pleins d’illusions d’optique, les visuels ne peuvent pas vraiment être décrits par des mots, ce qui rend le travail de l’écrivain particulièrement difficile lorsqu’il s’agit de parler de… Le voleur et le cordonnierLes termes “illusion d’optique”, “combustion”, “lucide”, “onirique”, “passionné” et “sûr de soi” ne suffisent pas à rendre justice au film, mais il faudra s’en contenter.
Rien n’est concret dans ce film, car la Cité d’Or suit une logique propre à ses habitants : les pièces s’effondrent sur elles-mêmes, se tordent comme si elles étaient rajeunies, et ressuscitent sous forme de nouvelles structures ; tous les personnages semblent avoir été dotés d’une colonne vertébrale malléable, car ils sautent, bondissent et se tordent comme les personnages de dessins animés qu’ils sont, défiant notre notion de physique d’une manière que la plupart des dessins animés avaient abandonnée en faveur d’une tentative de réalisme.
Le film de Williams se complaît dans sa propre gloire animée. Il sait qu’il s’agit d’un dessin animé et il profite pleinement des possibilités offertes exclusivement par les films d’animation. Rarement des personnages muets ont été capables de s’exprimer de manière aussi vivante que Tack le fait ici. Notre méchant, ZigZag le Grand Vizir (dont la voix est interprétée par Vincent Pricele seul homme capable d’apporter une certaine dignité excentrique à des répliques aussi macabres que “Je conjure les démons, et je charme les bêtes ! Et des oiseaux de proie, aussi ! Phido ! Mais comme vous le voyez, ce n’est pas tout ce que je sais faire ! Haha ! Hee-hee ! J’ai aussi du pouvoir sur les gens, même s’ils peuvent paraître complexes. Pour moi… ils tombent comme des cartes à jouer… et je contrôle les jeux !”), prévoit de trahir le roi Nod et la princesse Yum-Yum et de prendre le contrôle de la ville en utilisant son armée de sous-fifres.
Il est facile de voir l’influence que ces personnages ont eue sur ceux de la série. Aladdin mais le film de Disney semble timide par rapport à celui-ci, comme s’il jouait la carte de la sécurité et se contentait d’être bon, alors que Richard Williams a mis assez d’âme dans son projet-passion pour faire tomber le vent. Aretha Franklin. Aladdin était considéré comme novateur à l’époque de sa sortie, mais son ambition n’est pas à la hauteur de celle d’Aladin. Le voleur et le cordonnier.
Le film presque perdu de Richard Williams ne prétend pas être subtil dans son esthétique, mais sous l’éclat psychédélique de ses visuels criards se cache une histoire d’honneur très simple. La réédition majestueuse de 1993, pauvrement ré-titrée La princesse et le cordonniertente d’ajouter des sous-intrigues sur la romance entre classes sociales, la peine capitale et la frustration patriarcale, ainsi que quatre chansons (l’original n’en a pas), et ruine essentiellement la magie du film de Williams. Williams savait que l’objectif principal de son film était sa prestation esthétique. Il n’a pas prétendu injecter une signification secrète enfouie dans la simple narration. C’est une histoire simple, qui n’a pas besoin d’être compliquée. Ce serait trop compliqué si l’intrigue était aussi serrée que les images.
Le film, dont la production a précédé celle de Bakshi Heavy Traffic de plusieurs années, montrait l’élégance et la complexité dont l’animation était capable. Le film de Bakshi a également tenté de repousser les limites de l’animation complexe, mais il s’est laissé prendre par sa propre prétention, passant trop de temps à réfléchir à sa propre importance et à tenir ses spectateurs à distance. Le voleur et le cordonnierBien qu’il soit spectaculairement complexe, il est tout à fait accueillant et facilement accessible, ce qui témoigne une fois de plus de son talent artistique.
Ceux qui souhaitent voir le film dans une version aussi proche que possible de la version originale devraient consulter les sites suivants “Le voleur et le cordonnier : The Recobbled Cut.” Une restauration passionnément asservie par les fans, “Recoblé” a suscité un grand enthousiasme de la part de nombreux animateurs ayant participé au film original, dont beaucoup ont même contribué au projet. Toute personne ayant un intérêt académique sérieux pour le cinéma doit – oui, doit – le consulter. Vous pouvez en apprendre davantage sur le cinéma en suivant la production troublée du futur opus de Richard Williams que ce que la plupart des écoles de cinéma chics et coûteuses peuvent vous apprendre.
Westworld
Dir. Michael Crichton (1973)
Toute personne s’intéressant à la science-fiction est familière avec Michael Crichton, le créateur de Jurassic Park, La souche d’Andromède, Congo, Sphère, L’état de la peur.le roman audacieusement anti-politiquement correct. Divulgation (pas de la science-fiction mais tout de même fascinant), et la série télévisée ERparmi beaucoup d’autres.
La contribution de Crichton au genre de la science-fiction est impossible à surestimer, et beaucoup de gens ne connaissent même pas son premier grand film, Westworldune calamité de cow-boys et de robots hostiles qui se déchaînent.
Dans une société futuriste technologiquement avancée, des scientifiques ont créé des organismes robotiques qui ressemblent et agissent exactement comme des humains, bien qu’ils soient servilement dévoués et obéissants. Richard Benjamin et James Brolin jouent le rôle de deux amis d’âge moyen, Peter et John, qui visitent un parc d’attractions appelé Delos (Peter pour la première fois), composé de trois “mondes” à la Disney World : WesternWorld, MedievalWorld et RomanWorld.
Chaque monde recrée une société historique à l’aide d’androïdes sophistiqués conçus dans un souci d’authenticité. Nos héros choisissent de revivre le vieil Ouest dans WesternWorld, où les femmes dans les saloons sont belles et savent comment “servir” les clients et où les hommes boivent beaucoup et sont prompts à se battre avec les clients qui recherchent une bagarre de bar. Delos offre la possibilité de remonter le temps et de se redécouvrir, cela semble parfait.
Dans l’un des nombreux bars de WesternWorld, Peter voit son whisky lui être arraché de la main par un pistolero stoïque dont le regard pourrait percer des trous dans les montagnes (le lauréat d’un Academy Award, le Dr. Yul Brynner). Incité par John à régler l’affaire, Peter affronte le bandit armé et se retrouve brusquement à dégainer son pistolet et à planter plusieurs balles dans la poitrine du bandit armé. Le corps titube en arrière et tombe, le sang coulant à flots. John tape dans le dos de son ami et ils rient tandis que les clients du bar traînent le corps.
Lorsqu’on lui demande ce qui se passerait si on pointait un pistolet (donné par Delos) sur un humain et qu’on tirait, John pousse son ami à essayer de tirer sur lui. Le pistolet ne se déclenche pas, révélant un mécanisme de sécurité qui permet seulement au pistolet de tirer sur des choses non vivantes. Les androïdes sont programmés pour assurer des vacances parfaites aux visiteurs : ils tirent toujours plus lentement que leurs homologues humains, les filles ne refusent jamais les avances sexuelles d’un client, et les humains ne peuvent jamais être blessés par les robots. Il devrait être facile de voir les parallèles entre Issac Asimov œuvres et Westworldle premier ayant grandement influencé Crichton, dont le film a à son tour influencé d’autres films de science-fiction tels que The Terminator et l’adaptation de I, Robot.
Une scène mémorable montre comment les employés de Delos arrivent dans de grands fourgons et camions pour rassembler les cadavres et les androïdes endommagés et les ramener au laboratoire où les scientifiques réparent ce qu’ils peuvent et mettent le reste au rebut. Les androïdes sont constamment mis à niveau, améliorés pour devenir plus intelligents, plus rapides, plus forts, plus avancés. Les progrès rapides de l’intelligence artificielle préfigurent ce qui deviendra Skynet dans le film “Le monde de Skynet”. James Cameron Terminator série.
Un virus informatique s’infiltre dans le système, cependant, et les androïdes commencent à mal fonctionner ; un serpent mord John, une femme refuse un invité, et le bandit armé, ressuscité de ses blessures qui auraient pu être fatales, se présente dans la chambre de Peter et John pour se venger. Bientôt, un invité est tué dans le monde médiéval et les androïdes du monde occidental ouvrent le feu sur les invités. John est tué par le Flingueur et la demi-heure d’apogée du film commence alors que le Flingueur poursuit Peter à travers WesternWorld et dans les autres parties du parc.
Le film prend son temps pour entrer dans l’action mais cela en vaut la peine ; dans ce qui aurait pu être un rôle sans intérêt, Brynner rend le Flingueur silencieux et terrifiant dans la même veine que le T-800 d’Arnold, mais avec un chapeau de dix gallons au lieu de Ray Bans. La poursuite est bien rythmée et pleine de suspense. Nous avons déjà vu l’un de nos personnages principaux mourir, pourquoi Crichton ne tuerait-il pas aussi celui qui reste ? Le Flingueur s’avère difficile à détruire, comme prévu. Comme Michael Myers, le T-800 et Hal-9000 réunis, l’androïde Gunslinger est intensément mémorable en raison de sa persistance malgré son manque d’éclat visuel.
La technologie informatique naissante dans Westworld semble à la fois daté et frais, tout comme celui de Alien. Le film semble parfois avoir vieilli, comme on peut s’y attendre de la part d’un film à petit budget du début des années 70, mais son anticipation terriblement effrayante de la dépendance de la société à l’égard de la technologie, bien qu’elle ne soit pas aussi philosophique ou métaphysique que celle du film Alien, n’en est pas moins intéressante. 2001 ou Blade Runnerest toujours aussi captivant. Le Gunslinger chassant sa folie humaine joue comme un ancêtre direct de The Terminator et les premières descriptions d’un virus informatique, qualifié de “maladie” dans le film, sont une preuve supplémentaire de la compréhension avancée de la technologie par Crichton.
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